第1部/第3部：シナリオを考える

1. 1 文脈を考える。感情的なシーンを演じる前に、そのシーンの背景をよく知るために1分ほど時間をとってください。シーンの周りで何が起こっているかを知ることで、キャラクターの動機や感情をより理解することができます。時間があれば、そのシーンの台本を全部読んでみてください。そうすることで、その時々のキーポイントが見えてきます。このキャラクターは、このシーンでどのような気持ちになっているのでしょうか？この人物の過去、現在、未来はこのシーンにどう関わってくるのでしょうか？キャラクターが叫んだり、言い争ったり、泣いたりする場合は、明らかにそこに至るまでに何らかの積み重ねがあるはずです。ドラマのシーンに登場する人物の複雑な裏の層を見出そうとする。例えば、父親の葬式で泣いているキャラクターがいるとします。もちろん本人は悲しいのですが、それ以外の要因があるのかもしれません。このキャラクターは、父親とどのような関係だったのでしょうか？このキャラクターはどんな感情を抱いているのでしょうか？このシーンで、彼は何を思い出すのでしょうか。自分のキャラクターが他の登場人物とどのような関係にあるのかを考えることも忘れてはいけません。優れた俳優であるための鍵は、「存在すること」と「聞くこと」です。2人の俳優の間には、2人が本当に同調していなければ、信じられるものは何も起こりません。

2. 2 登場人物の内面の葛藤を考える。ドラマチックなシーンで最高の効果を発揮するためには、状況よりも登場人物を考えることです。観客は、あらゆる種類の悲しいドラマチックなシナリオに慣れ親しんでいます。ドラマを面白くするのは、そのシナリオに対して特定のキャラクターがどう反応するかということです。ある瞬間のキャラクターの感情移入を考えてみましょう。キャラクターが誰かと口論している場合、なぜそのキャラクターがその口論に巻き込まれるのでしょうか？この人物の心の奥底で何が起こっているのか？フリーライティングを助ける良い試みは、登場人物の視点から書くことです。このキャラクターが今どんな気持ちなのか、想像してみてください。自分がこの登場人物になったつもりで、このシーンが行われた後の日記を書いてみてください。この人物の過去と現在を深く掘り下げて考え、この人物の気持ちを想像して書いてみてください。このドラマチックな瞬間がなぜ重要なのか、特定のキャラクターの文脈で示すことができれば、観客に情報を提供することができます。あなたの演技に対して、より好意的な反応を示してくれるかもしれません。

3. 3 感嘆符を識別する。シーンをスキャンするとき、文章の中に登場する感嘆符に注目してください。役者は感嘆符をどう扱えばいいのか迷うことが多い。キャラクターがもっと大きな声で話すべきということを示しているのでしょうか？興奮、怒り、恐怖を表しているのか？その答えは、シーンの文脈によって異なります。感嘆符の使い方を理解し、どのように読めばシーンに入り込めるかを考えておく必要があります。感嘆符は、通常、文章を少し強めに話すことを示します。しかし、その力が加わるのは、さまざまな理由からでしょう。キャラクターが恍惚とした表情を浮かべることもあります。しかし、恐怖を感じたり、怒ったりすることもあります。行末に感嘆符を使う方法については、全シーンをお読みください。"なんて素晴らしい日なんだ！"このようなセリフは、文脈によって何通りにも解釈できます。母親と長い間口論をして疲れ切っているキャラクターは、イライラしていることを表していると思われます。皮肉交じりのセリフが読めましたね。主人公の結婚式でのセリフであれば、喜びを表しているのかもしれません。この文章は、明るく、興奮した口調を使うことができます。

4. 4 身体の動きに注意する。俳優は、シーンの感情描写に夢中になり、ステージディレクションの身体的な動きを忘れてしまうことがよくあります。身体の動きは、そのシーンに大きな感情を運ぶことがあります。例えば、キャラクターが話すときに顔を触って、緊張していることを表現します。シーンに登場する身体の動きを読み取り、演技に取り入れるようにしましょう。1つのシーンには、さまざまな物理的なアクションが存在します。登場人物があるシーンで何をするかは、とても重要なポイントです。舞台の演出をよく読んで、自分のキャラクターがどのように動いているのかを確認する。例えば、あなたが話している間、あなたのキャラクターは緊張して家具の配置を変え続けているかもしれません。特に舞台の演出がなくても、自分の体を意識するように努力することです。パフォーマンスでは、全身を使って感情を表現します。もし、キャラクターが緊張しているとしたら、どのように立ち回るでしょうか？幸せな人はどのような仕草をするのでしょうか？キャラクターの感情を意識して、体を使って反映させるようにしましょう。観客やカメラ、スタッフに気を取られないよう、シーンに集中するよう注意してください。そうすることで、そのシーンの想像の世界に完全に入り込み、自分のキャラクターがこの状況で実際にどのように行動するのか、身体と心を適応させることができるのです。

第2部/第3部：演技

1. 1 シーンの雰囲気に合わせて撮影する。演技をするときは、ある程度自分を見失うことが大切です。感情はとても流動的です。シーンを演じるときは、感情の共鳴が自然に流れるように心がけましょう。感情を流動的にさせる。シーンの感情のアーチを束縛したりコントロールしようとすると、演技が強引に感じられることがあります。キャラクターの頭の中に入り込み、そのキャラクターが感じていることを体験してみてください。これは、先ほど説明したように、自分のキャラクターを本当によく知ろうとすれば、簡単にできるようになります。感情を維持したり、コントロールしたりすることは、とても難しいことです。自分自身や自分の体を意識しているはずなのに、ふとした瞬間に、このフレーズに心打たれることがあります。もし、自分の声が揺らいだり、落ち着きがなくなったりしたら、そのままにしておいてください。どのようなシナリオでも、自分の感情的な反応を受け入れる許可を自分に与えてください。即興的で、本能的で、瞬間的で、心に響く、はみ出し者の俳優になることが、優れた演技のコツの一つです。

2. 2 ユーモアを取り入れる。ユーモアは、感動的なシーンを揺り動かすのに最適な方法です。多くの俳優が演技をしているように、ユーモアのセンスを発揮することで、シーンで目立つことができるのです。暗い場面でも、ちょっとユーモラスなセリフが入ることがあります。それを覆い隠すのではなく、明るい瞬間に焦点を当てるようにする。観客は、涙の間にある笑いに感謝し、面白い台詞を簡単に言うことができる俳優によく反応するものです。

3. 3 逆再生する。ムードを再生するときは、そのムードを目立たないように再生して、シーンを揺さぶるようにします。つまり、逆を演じるのです。そうすることで、キャラクターの感情がより強く観客に感じられるかもしれません。キャラクターが怒っていると、ついつい大声を出したり、声を荒げたりしてしまいます。しかし、冷徹な怒りはどうでしょう。その代わり、沈黙や静かな言葉で怒りを伝えることができます。悲しいキャラクターであれば、躁病のような描写をするとか。あなたのキャラクターは、悲しみを隠すために、溌剌とした明るさを見せようとします。敵対するキャラクターに関しては、あからさまに悪意を持って演じるのは避けましょう。その代わり、礼儀正しく、親しみやすいキャラクターを演じてください。あからさまに怒っている悪役よりも、楽しそうな悪役のほうが観客にとって怖いということはよくある。リハーサルで、逆のキャラクターを演じるとうまくいくかどうか、試行錯誤してみるのもいいかもしれません。しかし、ドラマチックなシーンを演じるのであれば、試してみる価値のあるトリックです。

4. 4 包括的なムードを堅持する。シーンはある程度、自己完結している必要があります。感情的なシーンを演じる場合、そのシーンでキャラクターの感情的な反応をあまり変えようとしないことです。1つの感情にこだわり、シーン全体を通してその感情に集中するようにします。あなたのキャラクターが悲しいのであれば、悲しいまま演じてください。彼がハッピーなら、ハッピーとして演じればいい。声のトーンや、感情の演じ方を変えることができます。しかし、一つのキーとなる感情に自分を集中させるようにするとよいでしょう。

5. 5 声の大きさを抑える。ドラマチックなシーンを演じるとき、ついついオーバーアクトになってしまうことがあります。声のコントロールができなくなり、大声を出したり、大声で話したりしてしまうことが非常に多い。音量に気をつけ、声のトーンを均一に保ち、コントロールするように心がける。怒っているはずのキャラクターでも、あまり大きな声を出すのはよくありません。ステージで大声を出すと、声のトーンやセリフの言い方をコントロールするのが難しくなります。ある程度静かに、均等に声を出してください。自分の身体性に注意を払うことが有効です。ドラマを伝えるのに自分の声が不十分だと感じると、無意識に声が大きくなってしまうことがあります。しかし、シーンで自分が伝わっていないと感じたら、体を調整します。怒り、悲しみ、悔しさなどの感情を身体で表現してみましょう。そうすることで、自分の感情を効果的に表現できていると感じられ、声を出しすぎることも少なくなります。

6. 6 キャラクターのニーズを重視する。感情的なシーンでは、その瞬間にキャラクターが何を必要としているかに焦点を当てます。なぜこの瞬間があなたのキャラクターにとって重要なのでしょうか？そのシーンが物語全体の構成にとってどのような意味を持つかよりも、あなたのキャラクターにとってどのような意味を持つかに重点を置いてください。キャラクターが他の誰かと議論している場合、他のキャラクターに対する議論に焦点を当てないようにします。その代わり、あなたのキャラクターがこの特定の関係について議論していると考えてください。あなたのキャラクターは、この人との関係を、ある方法で発展させたいと考えています。これがシーンの感情の支点となる。自分のキャラクターを知ることは、ここでとても役に立ちます。シーンをこなし、自分の作品に平均的なものを感じたら、作品を見直し、キャラクターの頭に入り込むことにもっと時間をかけましょう。そうすることで、キャラクターのニーズをより深く理解し、行動しながら誘導することができます。

Part 3 Part 3:合図で泣く。

1. 1 逆心理を利用する。多くの俳優にとって、とっさに泣くことは難しいことですが、感動的なシーンでは泣くことが必要な場合も少なくありません。キャラクターを泣かせる方法に悩んだら、逆張りでやってみましょう。自分のキャラクターになりきって、「私は泣かない」と自分に言い聞かせてください。何があっても、泣く姿は見せない。"実生活でも、涙をこらえるのに苦労した経験があるのではないでしょうか。泣きたい気持ちとは裏腹に、泣きたくない気持ちを流すことで、ステージ上で涙を誘うことができるのです。

2. 2 過去に経験した悲しい出来事を思い浮かべてください。また、過去に泣いた瞬間を思い浮かべてもよいでしょう。もし、シーンで泣くことが分かっているのなら、ステージに上がる前に悲しい瞬間を思い浮かべる時間を作ってください。悲しい瞬間というテーマでフリーライティングを行い、思い出せる最も悲しい瞬間を書き留めておくとよいでしょう。そうすることで、泣きたいときに使える悲しい思い出が備蓄されるのです。自分の体験だけにこだわる必要はありません。個人的な経験を引き出すには、ストレスが多すぎることもあります。その代わり、本や映画、テレビ番組で泣いた瞬間を思い浮かべてみてください。

3. 3.泣くという物理的な動作を通して。泣くということは、主に身体的な反応です。泣くという物理的な行為を体験すると、それがきっかけで本当の涙が出るかもしれません。実生活で泣くときの動作を考えてみましょう。おそらく、大きく息を吸い、鼻をすすり、小さなすすり泣きの音を立て始めるでしょう。この動きを始めてみてください。それに呼応して、体が涙を出すことがあります。

4. 4 舞台照明を利用して涙を誘う。どうしても泣きそうになったら、舞台照明に目を向けるのも手です。明るい舞台照明が目を刺激し、涙を流すことがあります。プロの俳優の多くが、特定のシーンで泣くことに悩んだときにこのテクニックを使っています。