自从8月达米安·查泽尔的《大地》在威尼斯电影节首映以来，它就一直被誉为今年奥斯卡奖一半的领跑者，特别是在音乐、视觉、表演和导演领域。纽约影评人圈和华盛顿影评人协会已经宣布这部电影为年度最佳影片。直到12月9日，星期五才到达电影院。

查泽尔继他的突破性电影《鞭打》（Whiplash）之后，又一次以音乐和表演为中心，但这是一部完全不同的电影。在Whiplash充满侵略性、狂躁性和对抗性的地方，lalaland是一部毫不掩饰的甜美、忧郁的复古音乐剧，在舞台和基调上为20世纪50年代和60年代的好莱坞提供了频道。艾玛·斯通和瑞安·戈斯林饰演两位试图在洛杉矶成功的艺术家——她是一位女演员，他是一位爵士音乐家——在职业和个人方面迷失了方向。这是一部技术上令人眼花缭乱的电影，但它也给影迷们带来了现成的安慰食品，充满了好莱坞的老题材和米高梅大型经典音乐剧的活力。我最近和查泽尔谈了为什么这部电影很难拍，为什么他准备让人们把它拆开。

《拉兰地》是一部大型奇观片，它大量借鉴了电影史。但你也说过这是你的私人电影。怎么会这样？

我记得在放映这部电影之前很紧张，当时我们正在为威尼斯电影节做准备。在放映前我一直很紧张，但在某种程度上，我感到比以往任何时候都更明显的紧张。我不知道是不是因为花了很长时间才把它弄下来，或者到底是什么原因。但我对构成这部电影的很多东西都充满**，无论是音乐剧还是电影中的想法，实现梦想的想法，无论它看起来是否会成功。我觉得我的心都快跳出来了。我觉得很暴露。但也许一部音乐剧总是暴露出来。没有什么能像音乐剧一样失控。

当你试图拼凑这么多技术复杂的镜头，并经历严格的排练日程时，你如何保持这些深刻的个人情感？

有一件事真的很有帮助，那就是音乐。很明显，歌曲和某些旋律在拍摄前就已经写好了，甚至在我写剧本的时候，它也给了我一个配乐。这有助于我保持一定的情感基调或语域，并告诉我在电影的任何一个特定部分，我们需要在哪里保持情感。当谈到编辑的时候，[贾斯汀·赫维茨]作曲家在我身边，在编辑的最后一年里，在我们拍摄的时候，他也在我的编辑身边，创作下划线，为场景打分。所以从来没有任何临时分数。总是贾斯汀在现场做任何事。因此，它有助于保持连续性，从脚本的早期阶段，通过拍摄，一直到在编辑室。音乐是一种特殊的音调，一种特殊的语言，它帮助传达了一切。只要你把贾斯汀的音乐放在下面或上面，我们拍摄的任何图像都会感觉有点不同。所以这非常有用。

但正是这种挑战，尤其是在剪辑过程的后期，当我们真的试图驾驭电影的基调时。我们会尝试丢失某些场景，或者添加其他场景，或者切换一些东西，所有你通常在编辑中会做的事情。有太多的移动的碎片，有时确实很难看到森林里的树木，并确保我们仍然在情感的波长上，我们需要的。在那样的时候，我肯定非常依赖于放映这部电影，试着和人们一起看，通过他们的眼睛看。比如帮助我们重新定位自己，弄清楚，“好吧，这就是我们现在的位置，这是有效的，这是无效的”，然后继续工作。

据我所知，你在2010年写了剧本的初稿。那时你的原创歌曲已经准备好了吗？

当我写了一个基本的治疗，我给了贾斯汀，他开始提出的想法，为主题的得分，这得到了整个电影的重播。一旦他意识到了这一点，我就开始自己写剧本。我在写剧本的时候，他在写旋律。有时我们会来回发送一些东西，或者我会给他一个场景，他会写信给我。有时他会从乙醚中发出一段旋律，这会激发我的某些东西，我会试着围绕这一点建立一个数字。这是我们之间，以及我的两位制片人弗雷德·伯格和乔丹·霍洛维茨之间的一次反复对话。我们四个基本上是乒乓球来回，因为我们开发的故事，脚本，和音乐都在一次，在一对夫妇的过程中一起

颈部扭伤在技术上是严格的，但这仍然感觉像是复杂性的一个巨大的进步。你的**方法有什么不同吗？

是的，这很有趣，因为我们实际上有时间排练这件事，而不是用鞭打的方式。我们在这方面的准备时间要长得多，但与此同时，我们的准备工作要困难得多。有更多的移动元素。做一部音乐剧，尤其是原创音乐剧，有时确实会让人觉得你想同时做三个项目。你在自己**电影，但你也在**专辑和编舞芭蕾舞。所有这些东西最终必须完全一致地存在于一起。

所以，即使我们做了三、四个月的准备，感觉就像每天，我们都在争分夺秒，就像是在挥鞭一样。我们试着解决每一个技术细节，因为我们知道我们需要在拍摄前把事情弄清楚。一旦我们在片场，就没有余地彻底改变事情，因为我们是在真实地点拍摄的。我们没有很长的拍摄时间表。我们经常在一天**定的时间拍摄，日落，或某些白天，或魔术时间。因此，我们所能做的一切都有这些实际的局限性，我们需要知道如何在这些局限性内运作。谢天谢地，当我们开始拍摄的时候，我们差不多已经准备好迎接挑战了。但准备的每一刻都是如此紧张的过程。任何一个部门的变化，无论是服装还是剧本，或是编舞中刚刚出现的想法，都必然波及到其他所有部门。每个人都必须灵活。我们必须不断地重新调整，同时努力不失去对我们要说的话的总体看法的控制。

什么比你想象的更具挑战性？

在预科课程中，最令我震惊的是——我理论上知道，但没有亲自处理——一种观念，即一切在多大程度上取决于其他一切。这对我来说是如此重要，以至于屏幕上的每一件事最终都让我觉得是命中注定的。**，音乐，表演，故事，我希望所有这些都感觉天衣无缝，就像一个持续不断的陈述。但是当你在写剧本的时候，和你的演员一起准备舞蹈的时候，这可能是非常有挑战性的。然后一个你想利用的想法出现了，为了适应这个想法，这个改变需要一系列其他的改变。变化可以是任何东西——服装设计师的变化，舞蹈的变化，当我和演员们交谈时出现的变化，我们意识到，“哦，场景朝这个方向而不是朝这个方向发展更聪明。”在一部普通电影中，任何这类事情都不会有那么多的影响。

同时，我也不想被直接套住。我不想让任何一个演员觉得自己被夹在里面。我不想让任何一个部门觉得他们不得不妥协，因为每个人都必须呆在自己的位置上。我希望人们能够建议修改，如果它似乎我们应该。因此，我有必要了解我希望流程如何运行，但这非常具有挑战性。它确实感觉到了这种矛盾，试图保持事物的松散、开放和自发的感觉，同时确保它们在技术上是超精确的，在我们拍摄之前，每个“t”都会被划掉，“i”都会被点缀。

这部电影中的许多时刻都像是对其他音乐剧的特别引用。我觉得这是一个像西方世界一样的项目，影迷们会想一次拆开一个镜头，寻找复活节彩蛋，为你们的敬意而争吵。你支持那种看电影的方式吗？还是用那种方式看这部电影？

我是说，是的，为什么不呢？拍这部电影的乐趣之一是，我一生都是一个电影爱好者，但有些电影允许你沉迷于这种爱并为之庆祝，而其他电影则不然。在很多方面，这是一部关于电影的电影，也是一部关于艺术的电影。所以作为一个电影迷，音乐迷，洛杉矶的粉丝，这些东西的粉丝，我觉得我可以明确地庆祝这些东西，让我个人喜欢的东西充斥在屏幕上。我想这就是为什么这部电影让我觉得很私人，甚至是私人的。有时我就像是在突袭我私人收藏的最爱的LPs。感觉很私人。但与此同时，我试图找到一种方法，以新的方式将这些东西结合起来，更新或综合它们，或颠覆它们，在它们觉得自己在说一种新的语言的地方做一些事情。他们觉得自己在说些新的东西。但没错，整部电影中肯定有复活节彩蛋，把它们放在里面是**的一部分乐趣。

这些角色生活在一个没有理由的反叛者存在的世界里，当他们引用它的时候，他们会意识到。他们在跳舞的时候，或者他们的穿着和行为方式，有没有意识到他们所指的好莱坞音乐剧？

瑞恩、艾玛和我谈了很多，从一般意义上讲，这部电影的基调。但我们也把重点放在了人物身上，他们应该具备的游戏性和自我意识。我们确实决定演奏一点，至少是潜台词，让角色知道他们在音乐剧里，并且对这个事实很好玩。我想确保明确的电影参考，像烘焙到对话中的东西，不会太多的音乐驱动，将被删除一步。但归根结底，这是一部关于一个角色想要出现在电影中的电影。他们在洛杉矶这座电影之都，他们正穿过摄影棚，周围都是老电影的偶像。全都烤好了。所以我们确实讨论过“角色在多大程度上意识到了这一点？”

我喜欢他们知道的想法。我们并没有过分强调，但在角色中有一种游戏的感觉，在整个电影中，关于在音乐剧里，和在音乐剧里玩比喻。推而广之，当角色的情况开始恶化时，演员们想到的一个想法就是他们在某个时刻停止听音乐。他们再也听不到音乐了，于是，他们不再参加音乐剧了。所以试着找到那些音符，他们有多相爱，他们感觉自己在拍什么样的电影，这是我们在拍摄时谈到的。

你认为这部电影更像是对当前好莱坞的反应，以及现在在那里为事业而战的感觉吗？还是更像是写给过去的情书？或者完全是别的什么？

这很有趣，因为写这篇文章绝对不会让人觉得是什么了不起的声明。在很多情况下，这无疑是在写与我自己非常接近的经历：搬到洛杉矶，尝试拍电影，更一般地说，尝试成为一名艺术家，以及其中的起伏。有时候，孤独会随之而来，你必须平衡爱情和艺术，梦想和现实。对我来说，重要的是捕捉一些关于那段经历或那些情绪的真相。

但同时，这也是现在好莱坞悖论的一部分。住在洛杉矶，你生活在一个充满电影历史的城市。无论你走到哪里，都能看到这部辉煌的电影的回音。在很多方面，也有一个行业似乎决心抹去过去，或者忽略过去，继续前进。我脑子里有一个版本的辩论，约翰传奇和瑞安高斯林在电影中关于爵士乐。如果你把这一点应用到电影中，也会有同样的想法——你是否会冒着被边缘化的风险，试图保留你对一种艺术形式过去的热爱？或者你想把它推向未来，冒着让它难堪的风险？这种平衡在哪里？我认为这适用于任何一种艺术形式，但现在，电影似乎特别经历了一点身份危机，夹在过去的电影应该是什么的想法和新的前沿，在那里看电影，大部分，不是在电影院。这对我们的艺术形式感有什么影响？这是一个大的，漫无边际的回答。但是这些想法充斥着我的脑海，所以我试着把它们写在《拉兰岛》的某个地方。