“守夜”-伦勃朗

伦勃朗的“守夜”画作在阿姆斯特丹的皇家博物馆里。如图所示，这是一幅巨大的油画：363x437厘米（143x172英寸）。伦勃朗于1642年完成了这部作品。它的真实名称是“弗朗斯·班尼科克和威廉·范·鲁滕堡的公司”，但它更为人所知的是《守夜人》(作为民兵卫队的连队）。

这幅画在这一时期的构图大不相同。伦勃朗没有以整洁有序的方式展示人物，每个人在画布上都有相同的突出位置和空间，而是将他们描绘成一个忙碌的群体。

1715年左右，在“守夜人”上画了一块盾牌，上面有18个人的名字，但只有一些人的名字被辨认出来(所以记住，如果你画了一幅集体肖像画：在背面画一张图表，上面写着每个人的名字，这样后代就会知道！）2009年3月，荷兰历史学家巴斯杜克·范·希勒（Bas Dudok van Heel）终于揭开了画中谁是谁的神秘面纱。他的研究甚至发现了家庭财产清单中提到的“守夜”中描绘的衣物和配饰，然后他将这些物品与1642年（绘画完成的那一年）各种民兵的年龄进行了核对。

杜多克·凡·赫尔还发现，在伦勃朗的《守夜》第一次悬挂的大厅里，有六幅民兵的集体肖像，最初是以连续系列的形式展示的，而不是人们一直认为的六幅独立的绘画。相反，伦勃朗、皮克诺、巴克、范德赫斯特、范桑德拉特和弗林克的六幅集体肖像画形成了一条完整的雕带，彼此相配，并固定在房间的木质镶板上。或者，这就是目的。伦勃朗的《守夜表》无论在构图还是颜色上都和其他画不符。伦勃朗似乎没有遵守他的委托条款。但是，如果他有，我们就不会有这样一幅截然不同的17世纪集体肖像。

“兔子”-阿尔布雷希特·杜勒

通常被称为杜勒的兔子，这幅画的官方名称称之为兔子。这幅画是奥地利维也纳阿尔贝蒂纳博物馆蝙蝠系列的永久收藏品。

它是用水彩和水粉画的，用水粉画出白色的高光（而不是纸上未涂的白色）。

这是一个关于如何绘制毛发的壮观例子。要模仿它，你会采取的方法取决于你有多大的耐心。如果你有头发，你会用一把细刷子，一次一根头发来画画。否则，请使用干刷技术或在刷子上拆分头发。耐心和忍耐是必不可少的。在未干的油漆上画得太快，单个笔划有混合的危险。不要持续太久，毛皮会显得破旧不堪。

西斯廷教堂天花板壁画-米开朗基罗

米开朗基罗绘制的西斯廷教堂天花板是世界上最著名的壁画之一。

西斯廷教堂是使徒宫中的一个大教堂，是梵蒂冈市教皇（天主教会领袖）的官邸。它有许多壁画，是文艺复兴时期一些最著名的人物画的，包括贝尔尼尼和拉斐尔的壁画，但最著名的是米开朗基罗的天花板壁画。

米开朗基罗于1475年3月6日出生，1564年2月18日去世。受教皇朱利叶斯二世委托，米开朗基罗致力于​西斯廷教堂天花板从1508年5月至1512年10月（1510年9月至1511年8月期间未进行任何工程）。1512年11月1日，在万圣节上，该教堂举行了落成典礼。

小教堂长40.23米，宽13.40米，最高点的天花板高出地面20.70米。米开朗基罗画了一系列圣经场景、先知和基督的祖先，以及特罗普·欧伊尔或建筑特征。天花板的主要区域描绘了《创世纪》中的故事，包括人类的创造、人类从恩典中堕落、洪水和诺亚。

西斯廷教堂天花板：详图

在西斯廷教堂天花板上，米开朗基罗著名的壁画中，展示人类创造的画面可能是最著名的场景。

梵蒂冈的西斯廷教堂有许多壁画，但最著名的是米开朗基罗在天花板上的壁画。梵蒂冈艺术专家在1980年至1994年间进行了大规模的修复，从蜡烛和以前的修复工作中清除了数百年的烟雾。这表明颜色比以前想象的要亮得多。

米开朗基罗使用的颜料包括赭石代表红色和黄色，铁硅酸盐代表绿色，青金石代表蓝色，木炭代表黑色。1并不是所有的东西都画得像最初出现的那样详细。例如，前景中的人物画得比背景中的人物画得更详细，增加了天花板的深度感。

更多关于西斯廷教堂的信息：

•梵蒂冈博物馆：西斯廷教堂•虚拟参观西斯廷教堂

资料来源：1梵蒂冈博物馆：西斯廷教堂，梵蒂冈城邦网站，2010年9月9日访问。

达芬奇笔记本

文艺复兴时期的艺术家莱昂纳多·达·芬奇不仅以他的绘画而闻名，而且还以他的笔记本而闻名。这张照片显示的是伦敦V&A博物馆中的一张。

伦敦V&A博物馆收藏了五本达芬奇的笔记本。这本书被称为《福斯特三世法典》，是达芬奇在1490年至1493年间为卢多维科·斯福尔扎公爵在米兰工作时使用的。

这是一个小笔记本，你可以很容易地把它放在外套口袋里。它充满了各种各样的想法、笔记和草图，包括“马腿的草图、可能是舞会服装创意的帽子和衣服的草图，以及对人类头部解剖的描述。”1虽然你不能在博物馆翻阅笔记本，但你可以在网上翻阅。

阅读他的笔迹并不容易，介于书法风格和他使用镜像书写（倒转，从右到左）之间，但一些人发现，看到他如何将各种各样的东西放在一个笔记本上很有趣。这是一个工作笔记本，不是展示品。如果你曾经担心你的创意日记没有被正确地完成或组织，请从这位大师那里学习：按照你的需要去做。

资料来源：1.探索福斯特法典，V&amp；博物馆(2010年8月8日查阅。）

“蒙娜丽莎”-达芬奇

莱昂纳多·达芬奇在巴黎卢浮宫创作的《蒙娜丽莎》可以说是世界上最著名的画作。这可能也是斯富马托最著名的例子，一种绘画技巧在一定程度上导致了她神秘的微笑。

关于画中的女人是谁有很多猜测。这被认为是丽莎·格拉迪尼的肖像，她是佛罗伦萨一位名叫弗朗西斯科·德尔·吉奥孔多的布商的妻子(16世纪的艺术作家瓦萨里（Vasari）在他的《艺术家的生活》（Life of The Artisters）中率先提出了这一点。也有人认为她微笑的原因是她怀孕了。

艺术史学家们都知道，达芬奇在1503年就开始创作《蒙娜丽莎》，当时佛罗伦萨的一位高级官员阿戈斯蒂诺·维斯普奇（Agostino Vespucci）对此进行了记录。当他完成时，就不那么确定了。卢浮宫最初将这幅画的日期定为1503-2006年，但2012年的发现表明，这幅画可能是在十年后才完成的，背景是他在1510-15年绘制的一幅岩石图。1卢浮宫将日期改为2012年3月的1503-19年。

资料来源：1.2012年3月7日，马丁·贝利（Martin Bailey）在艺术报纸上发表的《蒙娜丽莎》（Mona Lisa）本可以比想象的晚十年完成（2012年3月10日查阅）

著名画家：吉维尼的莫奈

绘画参考照片：莫奈的“吉维尼花园”

印象派画家克劳德·莫内之所以如此出名，部分原因是他在吉维尼的大花园中创作的百合花池塘中的倒影。它激发了很多年的灵感，直到他生命的尽头。他以池塘为灵感，勾勒出绘画的想法，并创作了小型和大型绘画作品，包括个人作品和系列作品。

克劳德·莫内的签名

莫奈如何在他的画上签名的例子来自他的一幅睡莲画。你可以看到他在上面签了名字和姓氏（克劳德·莫内）以及年份（1904年）。它在右下角，距离足够远，所以不会被框架切断。

莫奈的全名是克劳德·奥斯卡·莫奈。

“印象日出”-莫奈

莫奈的这幅画为印象派艺术风格命名。1874年，他在巴黎举办了第一次印象派画展。

艺术评论家路易斯·勒罗伊在评论他命名为“印象派画家展览”的展览时说：

"处于萌芽状态的墙纸比海景更为完美."

资料来源：1.路易斯·勒罗伊的《印象主义者博览会》，勒查里瓦里，1874年4月25日，巴黎。约翰·雷瓦尔德在《印象主义史》中的翻译，Moma，1946年，第256-61页；引用自《沙龙至双年展：创造艺术历史的展览》，Bruce Altshuler，Phaidon，第42-43页。

“干草堆”系列-莫奈

莫奈经常画一系列相同的主题来捕捉光线变化的效果，随着时间的推移交换画布。

莫奈一次又一次地画了许多题材，但他的每一幅系列画都是不同的，无论是睡莲画还是干草堆画。由于莫奈的画作分散在世界各地的收藏品中，通常只有在特别展览中，他的系列画作才被视为一个整体。幸运的是，芝加哥艺术学院收藏了莫奈的几幅干草堆画，因为它们一起给人留下了深刻的印象：

• 一堆小麦
• 解冻，日落
• 日落、降雪效果
• 雪效应，阴天
• 夏末

1890年10月，莫奈给艺术评论家古斯塔夫·格夫罗伊写了一封信，谈到他正在画的干草堆系列，信中说：

"I'm hard at it, working stubbornly on a series of different effects, but at this time of year the sun sets so fast that it's impossible to keep up with it ... the further I get, the more I see that a lot of work has to be done in order to render what I'm looking for: 'instantaneity', the 'envelope' above all, the same light spread over everything ... I'm increasingly obsessed by the need to render what I experience, and I'm praying that I'll have a few more good years left to me because I think I may make some progress in that direction..." 1.

资料来源：​1.莫奈本人，第172页，理查德·肯德尔编辑，麦克唐纳；Co，伦敦，1989年。

“睡莲”-克劳德·莫内

克劳德·莫内，“睡莲”，c。19140-1917年，画布上的油画。尺寸65 3/8 x 56英寸（166.1 x 142.2厘米）。在旧金山美术博物馆的收藏中。

莫奈也许是印象派中最著名的画家，尤其是他在吉维尼花园里画的百合花池塘的倒影。这幅特别的画在右上角显示了一小片云，以及天空在水中反射出的斑驳的蓝色。

如果你研究莫奈花园的照片，比如这幅莫奈的荷花池和这幅荷花，并将它们与这幅画进行比较，你会感觉到莫奈如何减少了他的艺术中的细节，只包括场景的本质，或者倒影、水和荷花的印象。点击上面照片下方的“查看全尺寸”链接，查看更大版本，更容易感受莫奈的笔触。

法国诗人保罗·克劳德尔说过：

“多亏了水，[莫奈]才成为我们看不见的东西的画家。他谈到了那个将光与反射分离的无形的精神表面。空气中的蔚蓝是液体蔚蓝的俘虏。。。颜色从水底升起，形成云朵和漩涡。”

资料来源：第262页《我们世纪的艺术》，由Jean-Louis Ferrier和Yann Le Pichon创作

卡米尔·毕沙罗的签名

画家卡米尔·毕沙罗（Camille Pissarro）的知名度往往不如他的许多同时代人（如莫奈），但在艺术史上有着独特的地位。他既是印象派画家又是新印象派画家，还影响了现在著名的艺术家，如塞尚、梵高和高更。从1874年到1886年，他是唯一一位参加巴黎印象派八次展览的艺术家。

梵高自画像（1886/1887）

这幅文森特·梵高的画像收藏于芝加哥艺术学院。它是用一种类似于点画的风格来画的，但并不是严格地只画点。

从1886年到1888年，梵高在巴黎生活的两年中，画了24幅自画像。芝加哥艺术研究所形容这一次使用修拉的“圆点技术”不是一种科学方法，而是一种“强烈的情感语言”，其中“红色和绿色的圆点令人不安，完全符合梵高凝视时明显的神经紧张。”

几年后，梵高在写给姐姐威廉敏娜的一封信中写道：

“我最近画了两幅自己的画，我想其中一幅很真实，尽管在荷兰，他们可能会嘲笑在这里萌芽的肖像画想法。。。我总是觉得照片很可恶，我不喜欢把它们放在身边，尤其是那些我认识和爱的人的照片。。。。摄影肖像的消亡比我们自己要快得多，而绘画肖像则是一种感觉，是出于对所描绘的人的爱或尊重。”

资料来源：给威廉敏娜·梵高的信，1889年9月19日

文森特·梵高的签名

梵高的夜咖啡馆现在被耶鲁大学美术馆收藏。众所周知，梵高只在那些他特别满意的画上签名，但这幅画的不同寻常之处在于，他在签名下方添加了一个标题“新咖啡馆”。注意，梵高在他的画上只签了“文森特”，而不是“文森特·梵高”或“梵高”

在1888年3月24日写给弟弟西奥的一封信中，他说：

“将来，当我在画布上签名时，我的名字应该被列入目录，即文森特，而不是梵高，原因很简单，他们不知道后面的名字在这里怎么发音。”

“这里”是法国南部的阿尔。如果你想知道梵高的发音，请记住它是荷兰人的姓，而不是法语或英语。所以“Gogh”发音，所以它与苏格兰的“loch”押韵。它既不是“goff”也不是“go”

星夜-文森特·梵高

这幅画可能是文森特·梵高最著名的作品，现收藏于纽约现代艺术博物馆。梵高于1889年6月画了《星夜》，在1889年6月2日写给弟弟提奥的信中提到了晨星：“今天早上，我在日出前很长一段时间从窗口看到了这个国家，除了晨星什么都没有，它看起来非常大。”晨星（实际上是金星，“没有星星”）通常被认为是画在画面中央左侧的白色大星星。梵高早期的书信也提到星星和夜空，以及他想要画它们的愿望：

1. "When shall I ever get round to doing the starry sky, that picture which is always in my mind?" (Letter to Emile Bernard, c.18 June 1888) 2.“至于繁星点点的天空，我一直非常希望能画出来，也许有一天我会画出来”（写给提奥·梵高的信，约1888年9月26日）。 3.“现在我绝对想画一片星空。在我看来，夜晚的色彩往往比白天更丰富；具有最强烈的紫罗兰、蓝色和绿色的色调。如果你注意它，你会看到某些星星是柠檬黄色，其他的粉色或绿色，蓝色，勿忘我，而不是光彩。很明显，在蓝黑色上加上小白点不足以描绘出一个星空。”（写给威廉敏娜·梵高的信，1888年9月16日）

阿斯涅尔斯的塞雷纳餐厅——文森特·梵高

文森特·梵高的这幅画被英国牛津阿什莫伦博物馆收藏。梵高于1887年抵达巴黎，与弟弟提奥住在蒙马特，提奥在蒙马特经营一家画廊。文森特第一次接触印象派画家（特别是莫奈）的绘画，并会见了高更、图卢兹·劳特里克、埃米尔·伯纳德和毕沙罗等艺术家。与之前以伦勃朗等北欧画家典型的黑色泥土色调为主的作品相比，这幅画体现了这些艺术家对他的影响。他使用的颜色变得明亮，笔触变得更加松散和明显。看看这幅画中的这些细节，你会看到他是如何使用纯色的小笔画的。他不是在画布上混合颜色，而是让这种情况发生在观众的眼睛里。他正在尝试印象派画家的断断续续的色彩方法。与他后来的绘画相比，这些色带是间隔开的，它们之间有一个中性的背景。他还没有用饱和的颜色覆盖整个画布，也没有利用画笔在绘画本身中创造纹理的可能性。

文森特·梵高（vincent van gogh）在阿斯涅尔（asnieres）的塞雷纳餐厅（细节）

这些细节来自梵高在阿斯涅尔斯（Ashnieres博物馆收藏）的画作《塞雷纳餐厅》（The Restaurant de la Sirene），展示了他在接触印象派画家和其他当代巴黎艺术家的画作后如何尝试自己的笔触和笔迹。

“四个舞者”-埃德加·德加

埃德加·德加，四名舞者，c。1899.画布上的油画。尺寸为59 1/2 x 71英寸（151.1 x 180.2厘米）。华盛顿国家美术馆。

“艺术家母亲的肖像”-惠斯勒

这可能是惠斯勒最著名的画。它的全称是“灰黑色排列第一，艺术家母亲的肖像”。惠斯勒一直使用的模特生病时，他的母亲同意为这幅画摆姿势。起初，他让她站着摆姿势，但正如你所看到的，他让步了，让她坐下。墙上是惠斯勒的蚀刻画，“黑狮码头”。如果你仔细观察蚀刻画框左上角的窗帘，你会看到一个较浅的污点，这是惠斯勒用来在他的画上签名的蝴蝶符号。这个符号并不总是一样的，但它改变了，它的形状被用来确定他的作品的年代。据了解，他从1869年开始使用它。

“希望ii”-古斯塔夫·克里姆特

​"任何想了解我的人——作为一名艺术家，唯一值得注意的是——都应该仔细看我的照片，试着从中看出我是什么样的人，我想做什么。”

古斯塔夫·克里姆特（Gustav Klimt）于1907/1908年在画布上用油画、黄金和白金绘制了《希望II》。它的尺寸是43.5x43.5英寸（110.5x110.5厘米）。这幅画是纽约现代艺术博物馆收藏的一部分。霍普二世是克里姆特在绘画中使用金叶和丰富装饰风格的一个美丽例子。看看他画主人公穿着的衣服的方式，它是一个抽象的形状，用圆圈装饰，但我们仍然“读”它作为一件斗篷或衣服。艺术评论家弗兰克·惠特福德（Frank Whitford）在其关于克里姆特的插图传记中说：

Klimt "applied real gold and silver leaf in order to heighten still further the impression that the painting is a precious object, not remotely a mirror in which nature can be glimpsed but a carefully wrought artefact." 2.

鉴于黄金仍然被视为一种有价值的商品，这一象征意义在今天仍然被认为是有效的。克里姆特居住在奥地利的维也纳，他的灵感更多地来自东方而非西方，来源于“拜占庭艺术、迈锡尼金属制品、波斯地毯和微型画、拉文纳教堂的马赛克，资料来源：1.背景中的艺术家：弗兰克·惠特福德的古斯塔夫·克里姆特（Collins&amp；布朗，伦敦，1993），封底。同上。第82.3页。MoMA亮点（现代艺术博物馆，纽约，2004年），第页。54

毕加索的签名

这是毕加索1903年创作的名为《苦艾酒饮者》（the Absize Drinker）的画作上的签名。毕加索在创作“巴勃罗·毕加索”（Pablo Picasso）之前，尝试将自己名字的各种缩写形式作为自己的画作签名，其中包括带圆圈的首字母。今天，我们通常听到他被简单地称为“毕加索”

他的全名是：巴勃罗、迪戈、何塞、弗朗西斯科·德·保拉、胡安·内波穆塞诺、玛丽亚·德·洛斯·雷米多斯、西普里亚诺、德拉桑蒂西马·特立尼达、鲁伊斯·毕加索。​资料来源：1.《破坏的总和：毕加索的文化和立体主义的创造》，娜塔莎·史泰勒著。耶鲁大学出版社。第p209页。

“喝苦艾酒的人”-毕加索

这幅画是毕加索在1903年创作的，当时正值他的蓝色时期（当时蓝色色调主导了毕加索的绘画；当他二十几岁时）。它的特点是艺术家天使费尔南德兹索托，他比他的绘画作品更热衷于聚会和喝酒，他曾两次在巴塞罗那与Picasso共用一个工作室。这幅画是在安得烈美国劳埃德韦伯基金会于2010年6月在所有权问题上达成庭外和解后被拍卖的。德国犹太银行家保罗·冯·门德尔松·巴托尔迪（Paul von Mendelssohn Bartholdy）的后代声称这幅画在20世纪30年代德国纳粹政权期间受到胁迫。

资料来源：1。佳士得拍卖行新闻稿，“佳士得拍卖行将提供毕加索的杰作”，2010年3月17日。

“悲剧”——毕加索

巴勃罗·毕加索，《悲剧》，1903年。木头上的油。尺寸41 7/16 x 27 3/16英寸（105.3 x 69厘米）。华盛顿国家美术馆。

这是从他的蓝色时期开始的，当时他的画，顾名思义，都是蓝色主导的。

毕加索为他著名的“格尔尼卡”画的素描

毕加索在规划和创作他的巨幅油画《格尔尼卡》时，做了许多素描和研究。这张照片显示了他的一幅构图草图，它本身看起来不太像，是一组潦草的线条。

与其试图破译各种各样的东西以及它们在最后一幅画中的位置，不如把它想象成毕加索的速记。为他脑海中的形象做简单的标记。关注他是如何利用这个来决定在绘画中放置元素的，以及这些元素之间的相互作用。

“格尔尼卡”-毕加索

这幅毕加索的名画非常巨大：高11英尺6英寸，宽25英尺8英寸（3.5 x 7.76米）。1937年巴黎世界博览会上，毕加索委托为西班牙馆绘制了这幅画。在西班牙马德里的索菲亚博物馆。

“明盖尔先生肖像”-毕加索

毕加索于1901年20岁时完成了这幅肖像画。画中的人物是加泰罗尼亚裁缝明盖尔先生，据信是毕加索的艺术经销商兼朋友佩德罗·马纳奇介绍给他的。这种风格显示了毕加索对传统绘画的训练，以及他的绘画风格在其职业生涯中的发展程度。它被画在纸上，这表明它是在毕加索破产的时候完成的，当时他的艺术还没有挣到足够的钱在画布上作画。

毕加索将这幅画作为礼物送给明格尔，但后来将它买了回来，并在1973年去世时仍保留着它。这幅画被放在画布上，很可能在毕加索的指导下“1969年前的某个时候”2进行了修复，当时克里斯蒂安·泽沃斯为一本关于毕加索的书拍摄了这幅画。

下次当你在晚宴上讨论所有非现实主义画家如何只画抽象派、立体派、野兽派、印象派，因为他们不能画“真正的画”，所以选择你的风格时，问问那个人他们是否把毕加索归入这一类（大多数是这样），然后提到这幅画。

资料来源:1&amp ;；2.Bonhams拍卖会17802地块细节印象派和现代艺术拍卖会2010年6月22日。（2010年6月3日查阅）

“多拉·马尔”或“女人的故事”-毕加索

2008年6月，毕加索的这幅画在拍卖会上以7881250英镑（15509512美元）的价格售出。拍卖估计为三百万到五百万英镑。

戴维尼翁-毕加索

这幅毕加索的巨幅画作（近八平方英尺）被誉为现代艺术史上最重要的作品之一，如果不是最重要的话，也是现代艺术发展中的一幅至关重要的画作。这幅画描绘了五个女人——妓院里的妓女——但关于这一切的意义以及其中的所有参考和影响，人们存在着很多争论。艺术评论家乔纳森·琼斯说：​

“毕加索对非洲面具的印象（从右边人物的脸上可以明显看出）是最明显的：它们把你伪装起来，把你变成别的东西——动物、恶魔、上帝。现代主义是一种戴着面具的艺术。它没有说明它的意思；它不是一扇窗户，而是一堵墙。毕加索选择他的主题正是因为这是一个陈词滥调：他想表明艺术的独创性不在于叙事或道德，而在于形式上的发明。这就是为什么将《阿维尼翁德米塞勒斯》视为一幅关于妓院、妓女或殖民主义的绘画是错误的。”

资料来源：1.《卫报》乔纳森·琼斯的《巴勃罗的朋克》，2007年1月9日。

“拿着吉他的女人”-乔治·布拉克

乔治·布拉克，一个拿着吉他的女人，1913年。帆布上的油和木炭。51 1/4 x 28 3/4英寸（130 x 73厘米）。巴黎乔治·蓬皮杜中心国家现代艺术博物馆。

红色工作室-亨利·马蒂斯

这幅画被纽约现代艺术博物馆收藏。它显示了马蒂斯画室的内部，具有平坦的透视图或单个图片平面。他的工作室的墙壁实际上不是红色的，而是白色的；他在画作中使用了红色作为效果。在他的画室里展出的是他的各种艺术品和一些画室家具。在他的画室里，家具的轮廓是油漆中的线条，显示了较低的黄色和蓝色层的颜色，而不是红色层的顶部。

1. "Angled lines suggest depth, and the blue-green light of the window intensifies the sense of interior space, but the expanse of red flattens the image. Matisse heightens this effect by, for example, omitting the vertical line of the corner of the room." --moma亮点，由moma出版，2004年，第77页。 2. "All the elements... sink their individual identities in what became a prolonged meditation on art and life, space, time, perception and the nature of reality itself... a crossroad for Western painting, where the classic outward-looking, predominantly representational art of the past met the provisional, internalised and self-referential ethos of the future..." -希拉里·斯珀林，第81页。

舞蹈-亨利·马蒂斯

上图为马蒂斯完成的名为《舞蹈》的画作，完成于1910年，现藏于俄罗斯圣彼得堡的国家隐士博物馆。下面的照片显示了他为这幅画所做的全尺寸构图研究，这幅画现在位于美国纽约的MOMA。马蒂斯是受俄罗斯艺术收藏家谢尔盖·什丘金委托画的。这是一幅巨大的画，宽近4米，高2.5米（12英尺9 1/2英寸x 8英尺6 1/2英寸），并使用限制为三种颜色的调色板绘制：红色、绿色和蓝色。我认为这幅画展示了为什么马蒂斯以色彩学家而闻名，特别是当你将这项研究与最后一幅画及其发光的人物进行比较时。希拉里·斯普林在她的马蒂斯传记（第30页）中说：

"Those who saw the first version of 跳舞描述它为苍白、精致、甚至梦幻般的，被涂上了更高的颜色。。。在第二个版本中，红色人物在明亮的绿色和天空中振动，形成了一个凶猛、平坦的雕带。同时代的人认为这幅画是异教徒和酒神。”

请注意扁平的透视图，这些图形的大小是相同的，而不是像透视图或缩短的具象画那样，距离更小的图形。人物背后蓝色和绿色之间的线条是如何弯曲的，与人物的圆圈相呼应。

“表面被涂上了饱和色，最终呈现出蓝色，即绝对蓝色的概念。大地呈鲜绿色，身体呈鲜红色。有了这三种颜色，我就有了光的和谐，也有了纯正的色调。”——马蒂斯

资料来源：格雷格·哈里斯（Greg Harris）于2008年在伦敦皇家艺术学院举办的“俄罗斯教师和学生展览介绍”。

著名画家：威廉·德·库宁

画家威廉·德·库宁1904年8月24日出生于荷兰鹿特丹，1997年3月19日在纽约长岛去世。德·库宁12岁时在商业艺术和装饰公司当学徒，并在鹿特丹美术和技术学院上了八年的夜校。他于1926年移民到美国，并于1936年开始全职绘画。

德库宁的绘画风格是抽象表现主义。1948年，他在纽约查尔斯·伊根画廊举办了他的第一次个展，展出了黑白珐琅绘画作品。（他开始使用珐琅颜料，因为他买不起画家的颜料。）到了20世纪50年代，他被公认为抽象表现主义的领导者之一，尽管这种风格的一些纯粹主义者认为他的绘画（比如他的女性系列）包含了太多的人类形式。

他的画包含许多层，元素重叠和隐藏，因为他一次又一次地重写一幅画。允许显示更改。在最初的构图和绘画中，他广泛地使用木炭绘制画布。他的笔触是手势，表达，野生，与能源感背后的笔触。最后一幅画完成了，但没有完成。

德库宁的艺术作品跨越近七十年，包括绘画、雕塑、素描和版画。他最后的作品来源于20世纪80年代末。他最著名的画作是《粉红天使》（c。1945），挖掘（1950），和他的第三部女性系列（1950-53），以更具绘画风格和即兴创作的方式完成。20世纪40年代，他以抽象和具象的风格同时工作。他在1948-49年间的黑白抽象作品中取得了突破。20世纪50年代中期，他绘制了城市抽象画，在20世纪60年代回到了具象化，然后在70年代又回到了大型手势抽象画。20世纪80年代，德·库宁（de Kooning）转而在光滑的表面上工作，在手势画的碎片上涂上明亮透明的颜色。

美国哥特式-格兰特伍德

美国哥特式可能是美国艺术家格兰特·伍德创作的所有绘画中最著名的。它现在在芝加哥艺术学院。

1930年，格兰特·伍德（Grant Wood）绘制了《美国哥特式》（American Gottic）画作，描绘了一个男人和他的女儿（不是他的妻子）站在他们的房子前。格兰特在爱荷华州的埃尔顿看到了这座激发绘画灵感的建筑。建筑风格是美国哥特式的，这是这幅画的名字。这幅画的模特是伍德的姐姐和他们的牙医。这幅画在靠近底边的地方，在这名男子的工作服上，签着画家的名字和年份（Grant Wood 1930）。

这幅画是什么意思？伍德打算让这部电影有尊严地再现中西部美国人的性格，展示他们的清教徒道德观。但它可以被看作是对农村人口对外来者不容忍的一种评论（讽刺）。画中的象征意义包括辛勤劳动（干草叉）和家庭生活（花盆和殖民时期的印花围裙）。如果你仔细观察，你会发现这个男人的工作服上的缝合处有三个叉状物的回声，继续沿着他的衬衫上的条纹。

资料来源：美国哥特式，芝加哥艺术学院，2011年3月23日检索。

“十字架圣约翰的基督”-萨尔瓦多·达利

这幅萨尔瓦多·达利的画被苏格兰格拉斯哥的凯尔文格罗夫美术馆和博物馆收藏。这幅画于1952年6月23日首次在画廊展出。这幅画以8200英镑的价格被购买，这被认为是一个很高的价格，尽管它包括了版权，使画廊能够赚取复制费（并卖出无数明信片！）。达利把版权卖给一幅画是不寻常的，但他需要钱(版权归艺术家所有，除非签署，请参见艺术家版权常见问题。）

“显然，由于经济困难，dali最初要求12000英镑，但经过一番艰苦的讨价还价。。。他以将近三分之一的价格出售了它，并于1952年签署了一封信给格拉斯哥市，放弃了版权。

这幅画的标题是对激发达利灵感的那幅画的引用。这幅钢笔画是在圣约翰的十字架（西班牙卡密特修士，1542-1591年）的幻象之后完成的，他在幻象中看到了耶稣受难的情景，就好像他是从上面看的一样。这幅画的构图以其独特的耶稣受难的视角而引人注目，灯光戏剧性地投射出强烈的阴影，并充分利用了人物的缩短。这幅画底部的风景是大理家乡的港口，西班牙的利加特港。这幅画在很多方面都有争议：支付的金额；标的物；风格（看起来是复古的，而不是现代的）。在画廊网站上阅读更多关于这幅画的信息。

资料来源：《卫报》Severin Carrell的《达利图像的超现实案例与艺术许可证之争》，2009年1月27日

坎贝尔汤罐-安迪·沃霍尔

安迪·沃霍尔·坎贝尔汤罐的细节。帆布上的丙烯酸树脂。32幅画，每幅20x16英寸（50.8x40.6cm）。在纽约现代艺术博物馆（MoMA）的收藏中。沃霍尔于1962年首次展出了他的坎贝尔汤罐系列绘画，每幅绘画的底部都像超市里的罐头一样放在架子上。该系列共有32幅绘画作品，是坎贝尔当时出售的汤的种类。如果你想象沃霍尔在他的食品储藏室里放着汤罐头，然后像他完成绘画一样吃着汤罐头，那么看起来不是。根据Moma的网站，沃霍尔使用坎贝尔的产品清单为每幅画指定了不同的味道。当被问及这一点时，沃霍尔说：

"I used to drink it. I used to have the same lunch every day, for twenty years, I guess, the same thing over and over again."1.

沃霍尔显然也没有他想要的展出顺序。Moma将这些画作“按排展示，反映了[汤]推出的时间顺序，从左上角的“西红柿”开始，于1897年首次亮相。”

因此，如果你画了一个系列，并希望它们以特定的顺序显示，请确保在某个地方记下这一点。画布的后缘可能是最好的，因为这样它就不会与绘画分离（尽管如果画作被框起来，它可能会被隐藏）。沃霍尔是一位艺术家，他经常被想要制作衍生作品的画家提到。在做类似的事情之前，有两件事值得注意：

1. 在Moma的网站上，有坎贝尔汤公司的许可证（即汤公司和艺术家遗产之间的许可协议）。
2. 在沃霍尔时代，版权执法似乎不是什么大问题。不要根据沃霍尔的作品进行版权假设。进行研究，确定您对可能发生的版权侵权案件的关注程度。

坎贝尔没有委托沃霍尔创作这些画（尽管他们后来在1964年委托一位退休的董事会主席创作了一幅），当1962年沃霍尔的画中出现了这个品牌时，坎贝尔对此表示担忧，并采取了观望的态度来判断人们对这些画的反应。2004年、2006年和2012年，坎贝尔出售带有特殊沃霍尔纪念标签的罐头。

资料来源：1.Moma引用，查阅日期为2012年8月31日。

沃特附近有更大的树-大卫·霍克尼

上图：艺术家大卫·霍克尼（David Hockney）站在其油画《瓦特附近的大树》（Biger Trees Near Warter）的一部分旁边，这幅油画于2008年4月捐赠给英国泰特美术馆。下图：这幅画首次在2007年伦敦皇家学院夏季展览上展出，大卫·霍克尼（David Hockney）的油画《瓦特附近的大树》（也称为“Peinture en Plein Air pour l'age Post Photosque”）描绘了约克郡布林顿附近的一个场景。这幅画由50幅并排排列的画布组成。加在一起，这幅画的总尺寸是40x15英尺（4.6x12米）。在霍克尼画这幅画的时候，这是他完成的最大的作品，尽管不是他第一次用多幅画布创作。

" 我这样做是因为我意识到我不用梯子也能做到。当你在绘画时，你需要能够后退一步。嗯，有些艺术家是从梯子上退下来被杀的，不是吗？" --霍克尼在一篇文章中引用了他的话路透社新闻报道，2008年4月7日。

霍克尼使用绘画和计算机来帮助构图和绘画。一个部分完成后，他拍了一张照片，这样他就可以在电脑上看到整幅画。

首先，霍克尼绘制了一个网格，显示了场景如何通过50个面板组合在一起。然后，他开始在现场制作各个面板。在他制作这些照片的过程中，这些照片被拍摄下来并制作成计算机马赛克，这样他就可以绘制自己的进度图，因为他一次只能在墙上挂六块嵌板。”

资料来源：2008年4月7日，《卫报》艺术记者夏洛特·希金斯（Charlotte Higgins）向泰特捐赠了大量作品。

亨利·摩尔的战争绘画

2010年2月24日至8月8日，亨利·摩尔在伦敦泰特英国美术馆展出。

英国艺术家亨利·摩尔（Henry Moore）最为著名的作品是他的雕塑，但他也以第二次世界大战期间在伦敦地铁站避难的人们的水墨、蜡和水彩画而闻名。摩尔是一位官方的战争艺术家，2010年在泰特英国美术馆举办的亨利·摩尔展览有一个专门用于展示这些作品的房间。拍摄于1940年秋至1941年夏，他对蜷缩在火车隧道中熟睡的人影的描绘捕捉到了一种痛苦感，这种痛苦感改变了他的声誉，并影响了公众对闪电战的看法。摩尔出生于约克郡，1919年在利兹艺术学院学习，曾在第一次世界大战中服役。1921年，他获得了伦敦皇家学院的奖学金。他后来在皇家学院和切尔西艺术学院任教。1940岁的穆尔住在赫特福德郡佩里格林，现在是亨利穆尔基金会的故乡。在1948年威尼斯双年展上，摩尔获得了国际雕塑奖。

“弗兰克”-查克·克洛斯

查克·克洛斯的《弗兰克》，1969年。帆布上的丙烯酸树脂。尺寸为108 x 84 x 3英寸（274.3 x 213.4 x 7.6厘米）。在明尼阿波利斯艺术学院。

卢西恩·弗洛伊德自画像和照片肖像

艺术家卢西恩·弗洛伊德以其强烈、无情的凝视而闻名，但正如这幅自画像所示，他将目光投向了自己，而不仅仅是他的模特。

1. "I think a great portrait has to do with ... the feeling and individuality and the intensity of the regard and the focus on the specific." 1. 2.“……你必须试着把自己描绘成另一个人。在自画像中，“相似性”变成了另一回事。没有表现主义，我只能做自己想做的事。”2.

资料来源：1.卢西恩·弗洛伊德，引用于《弗洛伊德在工作》第32-3页。2.卢西恩·弗洛伊德，引用于威廉·费维尔的《卢西恩·弗洛伊德》（泰特出版社，伦敦，2002年），第43页。

“蒙娜丽莎之父”-曼雷

曼雷的《蒙娜丽莎之父》，1967年。纤维板上绘画的复制品，加上雪茄。尺寸为18 x 13 5/8 x 2 5/8英寸（45.7 x 34.6 x 6.7厘米）。在赫肖恩博物馆的藏品中。许多人只把曼雷与摄影联系在一起，但他也是一位艺术家和画家。1999年5月，《艺术新闻》杂志将曼雷列入20世纪最具影响力的25位艺术家名单，以表彰他的摄影和“探索电影、绘画、雕塑、拼贴、组装”。这些原型最终将被称为行为艺术和概念艺术。”

艺术新闻说：

“man ray为所有媒体的艺术家提供了一个创造性智慧的例子，在其‘追求快乐和自由’[man ray声明的指导原则]中，它打开了每一扇门，并自由地走到它想去的地方。”（引用来源：艺术新闻，1999年5月，ad coleman的《故意挑衅者》）

这幅名为《蒙娜丽莎之父》的作品展示了一个相对简单的想法是如何有效的。最困难的部分是首先提出这个想法；有时它们是灵感的闪光；有时是头脑风暴的一部分；有时通过发展和追求一个概念或思想。

著名画家：伊夫·克莱因

回顾：伊夫·克莱因于2010年5月20日至9月12日在美国华盛顿赫斯霍恩博物馆举办的展览。

艺术家伊夫·克莱因（Yves Klein）最著名的作品可能是他的单色艺术作品，以其独特的蓝色为特色（例如，见“活画笔”）。IKB或国际克莱恩蓝是他配制的群青蓝。

克莱因自称为“空间画家”，他“试图通过纯色实现非物质精神性”，并关注“艺术概念本质的当代观念”1。

克莱因的职业生涯相对较短，不到十年。他的第一件公开作品是1954年出版的艺术家著作《伊夫·佩因特雷斯》（Yves Peintures）（“伊夫的绘画”）。他的第一次公开展览是在1955年。他于1962年死于心脏病发作，享年34岁。（伊夫·克莱因档案馆提供了克莱因的生命时间表。）

资料来源：1.伊夫·克莱因：《虚空，全力》，赫斯霍恩博物馆，http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp?key=21&subkey=252，于2010年5月13日访问。

“活画笔”-伊夫·克莱因

法国艺术家伊夫·克莱因（Yves Klein，1928-1962）的这幅画是他使用“活画笔”系列中的一幅。他用他标志性的蓝色颜料（国际克莱恩蓝，IKB）覆盖裸体女性模特，然后在观众面前用一幅表演艺术作品，通过口头指导将她们“画”在一张大张纸上。标题“ANT154”来源于艺术评论家皮埃尔·雷斯塔尼（Pierre Restany）的评论，他将这些作品描述为“蓝色时期的人体测量学”。克莱因将缩写词ANT作为系列标题。

黑色绘画-阿德莱因哈特

“颜色有问题，不负责任，盲目；无法控制的事情。控制和理性是我道德的一部分。”--1960年的阿德莱因哈德1.

这幅由美国艺术家阿德·莱因哈特（Ad Reinhardt，1913-1967）创作的单色油画被收藏在纽约现代艺术博物馆（Moma）。这是一幅60x60英寸（152.4x152.4厘米）的油画，油画是1960-61年间绘制的。在莱因哈特生命的最后十年和一段时间里（他死于1967年），莱因哈特在他的绘画中只使用了黑色。拍摄这张照片的艾米·西娅说，引座员指出了这幅画是如何被分成九个正方形的，每种颜色都有不同的黑色。如果你在照片中看不到，不要担心。即使你站在这幅画前面也很难看到。南希·斯派克特（Nancy Spector）在她为古根海姆博物馆撰写的关于莱因哈特的论文中，将莱因哈特的画布描述为“几乎无法辨认的十字形的黑色正方形，挑战了可见度的极限”。2.来源：1.约翰·盖奇的《艺术中的色彩》，第2052页。莱因哈特，南希·斯佩克特，古根海姆博物馆（2013年8月5日访问）

约翰·德赖斯的伦敦画作

自1978年以来，英国艺术家约翰·德维德（John Dexture）一直用黑白画抽象风景。在伦敦国家美术馆制作的DVD上，德瑞斯说，黑白画的工作迫使他“具有创造性……进行再创造”。避开颜色“加深了我对颜色的感觉……我所看到的东西的真实感……最好、更准确、更能通过没有调色板的油画来传达。这是约翰·德赖斯在伦敦的一幅绘画作品，当时他是国家美术馆的副艺术家（2003年至2005年）。国家美术馆的网站将德威的绘画描述为“与东方毛笔画和美国抽象表现主义有着密切的联系”，与“德威非常欣赏的伟大的英国风景画家特纳和康斯特布尔”密切相关，并受到“荷兰和佛兰德鲁伊斯代尔风景”的影响，德行并没有给他的画命名，只有数字。在2005年4月出版的《艺术家与插画家》杂志上的一次采访中，德威说，他从1978年开始用单色画作品时就开始按时间顺序对作品进行编号：

“没有等级制度。不管是28英尺还是3英寸。这是一本关于我存在的非语言日记。”

他的画只被称为“山水45号”或“山水630号”等等。

艺术垃圾桶-迈克尔·兰迪

艺术家Michael Landy于2010年1月29日至3月14日在南伦敦画廊举办了艺术垃圾桶展览。该概念是一个巨大（600立方米）的垃圾桶，建在画廊空间内，艺术被扔掉，“一座创意失败的纪念碑”1。但不只是任何旧艺术；你必须申请把你的作品扔进垃圾箱，无论是在网上还是在画廊，由迈克尔·兰迪或他的一位代表决定是否可以将其包括在内。如果被接受，它会被从一端的一座塔扔进垃圾箱。

当我参加展览时，有几件作品被扔进了盒子里，做投掷的人进行了大量的练习，他能够让一幅画滑向容器的另一侧。艺术解读的方向是：艺术何时/为什么被认为是好的（或垃圾），艺术价值的主观性，艺术收藏的行为，艺术收藏家和画廊决定艺术家事业成败的力量。

沿着两边走，看看什么东西被扔进去了，什么东西坏了（很多聚苯乙烯碎片），什么东西没有（画布上的大多数画都是完整的），这当然很有趣。在底部的某个地方，有一个由达米恩·赫斯特（Damien Hirst）和特雷西·埃敏（Tracey Emin）用玻璃装饰的大头骨图案。最终，可以回收的东西（例如纸和帆布担架）将被回收，剩下的将被运往垃圾填埋场。被当作垃圾掩埋，几个世纪后考古学家不大可能挖掘出来。

资料来源:1&amp ;；2.#迈克尔·兰迪：阿特·宾(http://www.southlondongallery.org/docs/exh/exhibition.jsp?id=164)，南伦敦画廊网站，2010年3月13日访问。

巴拉克·奥巴马-谢泼德·费尔利

这幅美国政坛人物巴拉克·奥巴马的油画，混合媒体模版拼贴画，由洛杉矶街头艺术家谢泼德·费尔利创作。这是奥巴马2008年总统竞选活动中使用的中心肖像图像，以限量版印刷品和免费下载的形式分发。它现在位于华盛顿特区的国家肖像画廊。

1. "To create his Obama poster (which he did in less than a week), Fairey grabbed a news photograph of the candidate off the Internet. He sought an Obama that looked presidential. ... The artist then simplified the lines and geometry, employing a red, white and blue patriotic palette (which he plays with by making the white a beige and the blue a pastel shade)... boldface words... 2.“他的奥巴马海报（以及他的许多商业和美术作品）是对革命宣传家技术的重新设计——鲜艳的颜色、醒目的字体、几何简洁、英雄的姿态。”

资料来源：​"威廉·布斯于2008年5月18日在《华盛顿邮报》上发表的“奥巴马在墙上的支持”。

“安魂曲，白玫瑰和蝴蝶”-达米恩·赫斯特

英国艺术家达米恩·赫斯特（Damien Hirst）最著名的作品是用甲醛保存的动物，但在他40岁出头时，他又回到了油画领域。2009年10月，他在伦敦首次展出了2006年至2008年间创作的绘画作品。英国广播公司新闻援引赫斯特的话说，这是一位著名艺术家在伦敦华莱士收藏品展上展出的一幅尚未成名的画作，名为《不失去爱》（日期：2009年10月12日至2010年1月24日）

"He is now solely painting by hand", that for two years his "paintings were embarrassing and I didn't want anyone to come in." and that he "had to re-learn to paint for the first time since he was a teenage art student."1.

华莱士展览会的新闻稿说：

“‘蓝色绘画’见证了他作品大胆的新方向；用艺术家的话说，这是一系列“与过去有着深刻联系”的绘画作品。”

对赫斯特来说，在画布上画画无疑是一个新的方向，赫斯特走到哪里，艺术专业的学生很可能会效仿。油画可能会再次成为时尚。About.com的《伦敦旅游指南》劳拉·波特（Laura Porter）参加了赫斯特展览的新闻预览，并回答了一个我很想知道的问题：他用的是什么蓝色颜料？

劳拉被告知，“除了25幅画中的一幅是黑色外，其他所有的画都是普鲁士蓝。”难怪它是如此深、阴燃的蓝色！《卫报》的艺术评论家阿德里安·塞尔对赫斯特的画作并不看好：

"At its worst, Hirst's drawing just looks amateurish and adolescent. His brushwork lacks that oomph and panache that makes you believe in the painter's lies. He can't yet carry it off."2.

资料来源：1赫斯特《放弃腌制动物》，英国广播公司新闻，20092年10月1日。“达米恩·赫斯特的画作极其乏味，”阿德里安·塞尔，《卫报》，2009年10月14日。

著名艺术家：安东尼·戈姆利

Antony Gormley是一位英国艺术家，也许最著名的是他的雕塑作品《北方的天使》（Angel of the North），于1998年面世。该雕塑位于英格兰东北部的泰恩赛德（Tyneside），位于一处曾经是煤矿的遗址上，2009年7月，戈姆利在伦敦特拉法加广场第四座基座上的装置艺术作品中，一名志愿者在基座上站立了一个小时，每天24小时，持续100天。与特拉法加广场上的其他柱基不同，国家美术馆外的第四个柱基上没有永久性的雕像。一些参与者本身就是艺术家，他们勾勒出了自己不同寻常的观点（图）。安东尼·戈姆利1950年出生于伦敦。他曾在英国的多所大学学习，并在印度和斯里兰卡学习佛教，1977年至1979年，在伦敦斯莱德艺术学院专注于雕塑之前。1981年，他在白教堂美术馆举办了第一次个人展览。1994年，戈姆利凭借其《不列颠群岛的田野》获得了特纳奖。他在其网站上的传记写道：

…安东尼·戈姆雷将自己的身体作为主题、工具和材料，通过对身体作为记忆和转化场所的彻底研究，重新激活了雕塑中的人类形象。自1990年以来，他扩大了对人类状况的关注，在大型装置中探索集体身体以及自我与他人之间的关系。。。

戈姆利没有创造出他所创造的人物类型，因为他不能制作传统风格的雕像。相反，他从差异和他们给我们的解释能力中得到乐趣。在接受《泰晤士报》第一版采访时，他说：

“传统雕塑不是关于潜力，而是关于已经完成的东西。他们的道德权威是压迫性的，而不是合作性的。我的作品承认它们的空虚。”

资料来源：安东尼·戈姆利，打破约翰·保罗·弗林托夫模式的人，《泰晤士报》，2008年3月2日。

英国当代著名画家

从左到右依次是艺术家鲍勃和罗伯塔·史密斯、比尔·伍德罗、保拉·雷戈、迈克尔·克雷格·马丁、玛吉·汉布林、布赖恩·克拉克、凯西·德·蒙乔、汤姆·菲利普斯、本·约翰逊、汤姆·亨特、彼得·布莱克和艾莉森·瓦特。当时是在伦敦国家美术馆观看提香的画作《戴安娜和阿克泰恩》（未被看到，左起），目的是筹集资金为画廊购买这幅画。

著名艺术家：李·克拉斯纳和杰克逊·波洛克

在这两位画家中，杰克逊·波洛克（Jackson Pollock）比李·克拉斯纳（Lee Krasner）更为著名，但如果没有她的支持和推广，他很可能无法在艺术时间线上占有一席之地。两幅画都是抽象表现主义风格。克拉斯纳靠自己的力量争取评论界的赞誉，而不仅仅是被视为波洛克的妻子。克莱斯勒留下了建立波洛克克莱斯勒基金会的遗产，这给视觉艺术家提供了资助。

路易斯·阿斯顿·奈特的梯子架

路易斯·阿斯顿·奈特（1873-1948）是一位出生于巴黎的美国艺术家，以其风景画而闻名。他最初在他的艺术家父亲丹尼尔·里奇韦·奈特（Daniel Ridgway Knight）的指导下接受培训。1894年，他第一次在法国沙龙展出，并在他的一生中继续这样做，同时也赢得了美国的赞誉。他的画作《余辉》是1922年由美国总统沃伦·哈丁为白宫购买的。不幸的是，这张来自美国艺术档案馆的照片没有给我们一个位置，但你必须想到，任何一个愿意用画架梯子和颜料涉水的艺术家，要么是非常专注于观察大自然，要么就是非常善于表演。

1897年：女子艺术班

这张来自1897年美国艺术档案馆的照片展示了一个由威廉·梅里特·蔡斯（William Merritt Chase）指导的女子艺术班。在那个时代，男性和女性分别参加艺术课，由于时代的原因，女性很幸运能够接受艺术教育。

艺术暑期学校约1900年

1900年左右，明尼苏达州门多塔市圣保罗美术学院暑期班的艺术学生与伯特·哈伍德老师合影。除了时尚之外，大太阳帽非常适合户外绘画，因为它可以防止阳光直射眼睛，防止脸部晒伤（长袖上衣也是如此）。

“纳尔逊的船装在瓶子里”-尹卡·肖尼巴

有时候，是艺术品的规模给了它戏剧性的影响，远远超过了主题。”《纳尔逊的瓶子里的船》就是这样一部作品。

Yinka Shonibar的《瓶子里的纳尔逊之船》是一艘2.35米高的船，里面装着一个更高的瓶子。这是海军中将纳尔逊的旗舰“胜利号”的1:29比例复制品。“纳尔逊的瓶子里的船”于2010年5月24日出现在伦敦特拉法加广场的第四个基座上。第四个基座从1841年一直空着，直到1999年，当时正在进行的一系列当代艺术品中的第一个，第四基座调试小组专门为基座进行了调试。在“纳尔逊的瓶子里的船”之前的作品是一个&amp；另一幅是安东尼·戈姆利的作品，画中一个不同的人在柱基上站了一个小时，不分昼夜，持续了100天。从2005年到2007年，你可以看到马克·奎因、艾莉森·拉珀、，2007年11月，托马斯·舒特（Thomas Schutte）为2007年的一家酒店制作了一个模型。“纳尔逊的瓶子里的船”的帆上的蜡染图案由艺术家在画布上手工印刷，灵感来自非洲的布料及其历史。瓶子长5x2.8米，由有机玻璃而非玻璃制成，瓶口足够大，可以爬进去建造船。